前言：

　　2010年2月，作为唯一特别邀请的艺术家，蓝正辉的巨幅水墨作品在加拿大多伦多艺博会（TORONTO ART EXPO 2010）上获得特别展出。在展会大厅的入口处就是蓝正辉十米高的巨幅水墨作品，让西方世界对中国的水墨刮目相看。同年8月，另一个热点是上海召开了世博会，蓝正辉与宝马合作的“梦想之路”，作品有15米长，结合舞蹈家黄豆豆的演绎，极具象征意义。走入水墨的道路是一个精神之旅，在当代艺术的世界里跋涉，他的作品集结了很多元素，水墨、抽象、体量、书写——水墨是激情的扩张，艺术概念是抽象，体量气韵大而恢弘，同时又有着书写状态的写意。看似庞杂难懂的概念，蓝正辉却说：“观念是别人的，什么能打动你才是最重要的。”

　　浓烈源于挥洒情怀

　　在北京首都机场附近蓝正辉800平米的画室，虽然不像798的工厂，却也如厂棚一样高大宽阔，空气中浸润着浓浓的墨水味，最引人注意的就是那些巨幅的画作，尺寸几乎跟这画室一样高大。置身其中的感觉，如果用一个词来形容，就是铺天盖地。画作仿佛是水墨构成的精魂，气势恢弘、大气磅礴，但见到的蓝正辉老师本人却是温文尔雅又亲切热情。追溯水墨情怀，蓝老师讲起了他的经历。很难想象他曾经在沈阳学机械理工，后来意识到自己还是喜欢画画，毕业后再次参加高考进入四川美术学院学习。川美可以说是中国当代艺术的萌生地，很多当代著名的大家比如叶永青、张晓刚、周春芽等一些“大人物”，都曾在一起积极探索。蓝正辉当年参加过“85新艺术运动”，在“黄山会议”的合影上，还能看见蓝老师年轻时长发的“艺术照”。

　　每位艺术家的成长都需要很多积淀，蓝正辉回顾在川美的时候比较“感情用事”，他思想敏锐待人热情，喜欢浓重强烈的表达，画面色彩饱满，探索结构关系，带有文本和符号的观念。很多创作带有实验性，不仅画油画、连环画，还有装置作品。年轻时候的迷茫、探索、寻找、反思，也正是那时候的当代艺术的比照。1987年蓝正辉从川美毕业，开始探寻自己的路。他八十年代末接触水墨，最初画水墨小稿，九十年代进入抽象，在1993年开始大面积作画，而真正找到自己的风格是2001年以后，那种大笔浓墨的，用他自己的话说是“符合我的性格和情感表达方式”。面的书写是个引子，进一步到体能表达，才产生了今天重水墨的艺术。

　　水墨是中国特有的，而当代艺术的观念却来自国外。蓝正辉2002年去了加拿大，希望出去走走看看，后来又到欧洲、日本，跟国外艺术家交流。其实国外的当代艺术家并不神秘，中国艺术家也有自己的长处。蓝正辉经过认真思考，认定水墨这种中国的方式，一样能够表达当代艺术的精神。他进入这个领域就是想改造，让中国传统和西方理论实现辩证统一的结合。2004-2006年在黄山画室，最初受到环境影响，他笔下的形态有时候好像山石流水，有时候又是天崩地裂。他跟老师一起探讨这个问题，老师说这是一种“中国人集体的无意识”。早期画抽象的老师总有些痕迹，比如画马总有万马奔腾的影子。后来年轻人有自己的表达方式，很多人不画画了，改拍图片做装置。而蓝正辉一直希望能找到一种中间状态，既对中国水墨有浓重的情怀，又对当代艺术有很好的把控。还是在画架上，有变革有保留。而他过去的积淀也滋养了抽象水墨，无论是内容铺垫、结构关系，还是在大画面上的掌控，都能游刃有余，就像书法练习上万次所达到的效果。经过长时间的探索，迎来了他真正的创作高潮。

　　抽象是心灵的感动

　　尽管圈里人对抽象已经习以为常，外行人对抽象的理解却还不甚明了，我们也口无遮拦地追问，如何看懂抽象画？蓝正辉老师说，一百多年前西方抽象艺术诞生后，被称为是理性世界最高的发明成果。艺术本身就是多样性的，而中国人过去只接触传统，对抽象画的理解有隔阂——就像小孩子听故事一样，喜欢追问内容、涵义、主题，而缺乏见解主张和自我意识。金融危机后，水墨、抽象都有更多机会了。我们对抽象的存在发现利用或重新解读，使抽象变得非常有意义。抽象艺术暗指和结构的东西比较多，不是充当解说或者讲故事的功能，有时候只是具有一方面功能，比如印象派只是把色彩表达出来就有它的价值。抽象也是如此，有些比较注重形象，有些比较注重结构，有些比较注重次序。艺术很庞杂多面，它有很多元素，只拿出一点扩大来深入挖掘，就产生了现在的艺术。

　　当代艺术提出观念先行，需要曲折碰撞，还需要说明文本，这里面体现了不同的思维方式。有些当代艺术看起来不明所以，要了解很多背景故事才能理解——观念很重、视觉很少，这是最近几十年的潮流。相反，抽象注重视觉语言给人的感觉，积极、黑暗、沉重、轻松，都能直观感受得到。对于抽象的理解，人们可以不再听画家讲故事，通过视觉感知，回到直觉的感悟。蓝老师用他在广州展出的35米长的《四时心跳图》作比喻：四时就是春夏秋冬、白天夜晚的变化，历史也是有变化的，心跳则是在画面传达心灵跳动的感觉。有些抽象作品甚至没有命名，名字只是个引子，还是尊重观者内心的感觉。通俗地讲，对一件艺术作品的解读就像看一件衣服，觉得样式颜色搭配得好就是好的，否则就是不好。直观的感觉是看懂抽象的第一位，尊重你的第一感觉，就能看懂所有东西。

　　好的抽象作品会给你以美的感受。就像好音乐不用具象的声音，却通过优美或者悲伤的旋律直入心灵，仍让人感动落泪。听到月光曲，就有一种宁静状态的呈现。抽象画则是通过视觉，触动心底某一处，引导人产生互动共鸣。抽象的魅力还在于不是一一对应的，每个人的感觉也不一样。抽象理解起来并不难，美是美，丑是丑，即使讨厌也是看懂了一部分——现在有些当代艺术为了达到某种刺激目的，就是搞得很恶心，让人反感也就达到目的了。这也是艺术有意思的地方。离开现实的一种状态，产生悟性的东西。但抽象艺术也有正负高下之分，蓝正辉表示自己的水墨更多的是积极正面的，就像吴冠中说，好的艺术就是为之一振。如今很多行业领域都和艺术接轨，借助艺术之魅力。艺术让人感知心灵，变得更加人性化，更懂得尊重自己，尊重人生，这才是艺术最大的本质。

　　体量美学的爆发

　　中国人思想上有太多的包袱，寻求解读就丧失掉很多直接的感受。缺少自然的吸引，先入为主的概念最值得反省。西方观念里的自由和开放，慢慢地随着艺术渗透到中国，人们也逐渐接受了抽象。蓝正辉相继举办个展：“水墨疾走”（广东美术馆，2003）、“东方欲晓”（中国美术馆，2006）、“横流”（加拿大Energy Gallery，2009）、“狂雨”（印尼欧豪斯画廊，2009）、“大快朵颐”（北京锦都艺术中心，2010）、“淡墨浓情”（北京且庐画廊，2010）、“水墨梦想”（上海对比窗画廊，2011），看名字就可得知那时的激荡情怀，此外还参加了很多重要联展。在这些国内外的展览上，蓝正辉的作品像水一样流动，像墨一样晕染，有着突出的艺术成就。在上海世博会期间，他与宝马合作的“梦想之路”作品，为他打开了广泛的知名度。在今年第四届广州三年展“第三自然：中国再造”中，蓝正辉为此次50米的展区创作了一幅长35米的作品《四时心跳图》，受到当代艺术圈的极大关注。

　　美国著名批评家罗伯特？摩根评价：“蓝的‘体量水墨’最终回到了中国当代艺术的前沿。在泼墨于水的过程里，兰的这些精制而又粗粝的浓墨画面以时间上的相对性转换了我们的空间意识。这些画具有一种玄奥的似是而非性。”水墨是中国传统的表达方式，外国人对花鸟山水不是很感兴趣，他们认为蓝正辉的作品就是真正的中国当代水墨。他的作品被欧美日韩多国收藏，今年4月蓝正辉意大利个展在的一个古堡开幕，展出作品全部售出。蓝正辉说，国内也有很多流派，优秀的东西内在本质是相通的，冷军的写实、赵无极的抽象，他都很喜欢。只是具体呈现方式不一样，而艺术的价值也体现在差异性。有一些理论说世界最终会变成灰色，色彩张力都回到一种基本状态。水墨即黑白，调配成灰色，黑白灰就可描绘整个世界。抽象经得住时间的考验，没有局限性，有着更广泛更长久的影响力。蓝正辉希望有更多的中国人喜欢抽象水墨，让好的作品能多些留在中国。

　　“体量水墨”源于建筑用语，具有的大气凛然的气魄和高度，他区别于传统谦卑的范式，是走出传统的一种方式。大的不仅是尺寸，更是隆重包容的气度。蓝正辉的纸和墨，都是在安徽定做的，墨要经过蓝正辉的重新调配加工——大面积的用墨必须要有更好的表现力。他特制的笔大的也有一两米宽，大到他那不动为止。大面积的水墨创作过程，更像是行为艺术。他喜欢站在作品前面拍照留影，一个个有力量的与完美的画面，有如他的儿女金刚，仿佛给了他安全感。张大千晚年的泼墨，也是在追求这种面的视觉张力。艺术具有寄托意识，对大有一种潜意识的崇拜，就像高大的阿凡达。抽象创作有时候有一种游离的状态，会在未知的时候偶然出现奇妙的东西，犹如写作时的神来之笔，超越自己之上神奇的东西，这是一种不断追求的境界。在将近十年的水墨之路上，蓝正辉也在不断尝试，在体能表达的拓展方面做得更好，更自在。比如画面从满到留白，从一层到很多层，整体饱满而精到。他说：要想成为一个很伟大的艺术家，不在乎拍卖多少钱，过得多富有，而是一辈子都在努力，创作出几幅很好的有所突破的作品。在艺术本体之上有贡献，才能写入历史。